Películas que han marcado la evolución del cine

Todos tenemos en mente películas que han hecho historia por su argumento, su fuerza o las excelentes interpretaciones de sus protagonistas. Sin embargo, ha habido otras muchas que, siendo tal vez menos conocidas, han ejercido tal influencia que han condicionado el desarrollo del cine a lo largo de su historia. Vamos a conocer algunas de esas películas, películas en algunos casos ya centenarias.

Hoy en día estamos acostumbrados a increíbles efectos especiales. ¿Pero cuál fue la primera película en la que se intentaba modificar la realidad de manera, evidentemente, rudimentaria? Viaje a la Luna, de 1902. No se puede hablar de efectos especiales, pero sí de un toque de ilusionismo.

No fue la primera película de suspense, pero sí la primera que ofrecía una realidad distorsionada para conseguir mayor efectismo. Hablamos del Gabinete del doctor Caligari, de 1919. Tras ella la manipulación de ángulos, contraluces y decorados extraños dejaron de ser algo extraño y hoy hay verdaderos maestros, como Tim Burton.

Llegamos 1927 y a El cantor de jazz. Primera película sonora de la historia. Sobran las explicaciones de lo que supuso en el mundo del celuloide. Y no avanzamos mucho en el tiempo, a 1928, para hablar de una obra maestra inolvidable Metropolis, primera cinta de auténtica ciencia ficción, admirada todavía por grandes directores. De ese mismo año es El perro andaluz, del grandísimo Luis Buñuel, que introdujo con ellas complejos mundos oníricos en el cine.

Mucho ha pasado desde el nacimiento de King Kong, en 1933. Pero este fue la primera de un sinfín de criaturas que nos aterrorizado desde entonces, criaturas inspiradas en la naturaleza o de pura ciencia ficción.

Todos, aunque muchos se resistan a reconocerlo, tenemos una gran historia de amor cinematográfico preferida. ¿Pero cuál fue la primera gran historia de amor del cine? Sucedió una noche, con Claudette Colbert y Clark Gable como protagonistas. Corría el año 1934.

Y acabamos con una fórmula que Walt Disney inventó en 1937 y que es plenamente vigente. No pasa de moda ni la fórmula ni la película con la que se inició. Hablamos de Blancanieves y los siete enanitos, largometraje inolvidable de dibujos animados.

La verdad duele, la ciencia detrás del futbol americano

Existen debates que a la larga, y luego de un análisis hecho en perspectiva directa, es decir, desde un punto de vista en el cual no te sientas afectado por el hecho de que algo que se ha instaurado o ya ha quedado establecido no te afecte en lo absoluto, o en el caso contrario, en el cual alguna norma o algún hecho, si te afectase de tal forma que es necesario plantearle al mundo o a una sociedad en particular si está en lo correcto o no, la película de La verdad duele, basada en hechos reales, nos muestra esto mismo de manera precisa, que son admiradores de la cinta.

La verdad es un punto sumamente importante establecido en esta extraordinaria historia, algo que nos llama a reflexionar de manera drástica, dada la magnitud de lo que se encuentra en  disputa durante aquel momento, pues en América del Norte pudo haber sido por la tradición que conlleva el deporte de Futbol Americano, pero pensándolo desde otra perspectiva, según nos manifiesta Miguel Carrillo recepcionista de Cerrajeros El Ferrol, en España podría ocurrir lo mismo con la tradición del Futbol español.

Lo increíble de la cinta es el motivo por el cual se produce la confrontación, entre la Liga de Fútbol Nacional (NFL) y un ético y reconocido patólogo forense, Bennet Omalu, residente en los Estados Unidos desde la década de los noventa, nacido en Nnokwa, Nigeria en 1968, además de la intervención de un gran número de aficionados del mismo, por razones de la vida humana, en la que un descubrimiento científico dió como resultado el diagnóstico de un severo trauma producido por la práctica del deporte, el nombre de este trauma es conocido como Encefalopatía Traumática Crónica, algo de lo que conocen muy bien los trabajadores de cerrajeros profesionales Alicante ya que uno de sus colegas al practicar ese tipo de deportes, falleció de la misma enfermedad.

El documental definitivo sobre Podemos

‘Política, manual de instrucciones’ tal vez haya sido uno de los documentales más esperados y con mayor repercusión mediática que se recuerdan en el Estado español. No hay que olvidar que el documental por lo general es un género cinematográfico que en nuestro país no goza de todo el reconocimiento que merece. Pero en este trabajo al que nos referimos se juntaban dos variables que aseguraban el interés del respetable: por un lado, en la dirección, Fernando León De Aranoa, uno de los mejores –si no el mejor- cineastas españoles en activo; por otro lado, el gran fenómeno político de los últimos dos años y medio, Podemos.

Ambos elementos confluyeron en esta idea de documental que muestra los entresijos de cómo el partido liderado por Pablo Iglesias fue creciendo. El mérito está en que León de Aranoa cuenta el funcionamiento interno de la formación política sin filias, sin fobias, sin partidismo, sin amiguismo, sin retratos panfletarios de por medio, sin homenajes, sin cartas blancas…

El director de películas tan mágicas y memorables del cine español como ‘Los lunes al sol’, ‘Barrio’ o ‘Familia’ se lanzó a esta aventura de dirigir un documental guiado por influencias como las de Robert Drew –grabó ‘Crisis: behind a presidential commitment’-, quien reflejó como Kennedy podría gestionar un contexto de crisis.

Más allá de destripar los enigmas internos y personales de los miembros de Podemos, el documental sirve como paradigma -aplicable a otros casos- de cómo funciona la política, de cómo se actúa para irrumpir ante los partidos tradicionales o de cómo la fuerza de la estética y la imagen acaba por invadir parte de las premisas de contenido político. Fueron semanas y semanas de grabación en las que el equipo de León de Aranoa filmó absolutamente todo, lo que generó incluso una serie de incomodidades en los protagonistas del documental, que a veces se sentían observados en exceso por las cámaras.

Scorsese y el sabor a gánsteres de verdad

Mucho ha llovido ya desde esas películas maravillosas de gánsteres protagonizadas por actores tan geniales como Edward G Robinson. ‘Hampa dorada’ o ‘Scarface’ –en su versión dirigida por Howard Hawks- sentaron las bases del género de films de mafiosos bañados en el mejor cine negro estadounidense e inspirados en el aroma de la mejor novela negra.

Por supuesto, luego llegó la saga de ‘El Padrino’ y la perfección se hizo cine y todo el mundo cayó rendido a los encantos y el misterio que el cine de gángsters albergaba; Francis Ford Coppola alcanzó los cielos con su trilogía, memorable en sus dos primeras partes.

Fue el gran Martin Scorsese el director que quiso nutrirse de los encantos más extraordinarios del género. Y así, irrumpió en la gran pantalla el gángster por naturaleza, Joe Pesci. Insuperable es su interpretación en ‘Goodfellas’ –traducida como ‘Uno de los nuestros’-, aunque en Casino estaba igual de inconmensurable.

Tampoco nos podemos olvidar del idilio cinematográfico que surgió entre Scorsese y el actor Robert De Niro, uno de los vínculos más importantes que ha dado la Historia del séptimo arte. Ya aquella mítica ‘Taxidriver’ nos adelantaba en sus últimos minutos de cinta que los gánster tenían hueco en el corazón narrativo de Scorsese.

La pócima mágica del director neoyorquino incluía en su retrato de los gangsters italoamericanos canciones de los años cincuenta y ritmos de grupos de doo wop, trajes y sombreros de mafiosos, luces y contrastes inquietantes, un reparto con actores cuyos rostros llegaban a inocular el miedo en el espectador, mujeres fatales y caóticas que sembraban las distancias y los desequilibrios entre los hombres poderosos, armas blancas y disparos pero sin abusar de ellos, guiones redondos e inquebrantables, etcétera.

Más tarde llegaría ‘Gangs of New York’, capaz de mostrar al espectador el universo de la mafia en el siglo XIX. No hay duda de que las películas sobre la mafia no pueden entenderse sin el sello del gran Martin Scorsese.

Sigourney Weaver, más que una estrella

Ha recibido el premio honorífico Donostia 2016 en reconocimiento a toda una larga y fructífera carrera profesional. Y, llegaba Sigourney Weaver con un último trabajo, Un monstruo que viene a verme. Una película que se presentaba fuera de concurso en la que comparte reparto con Liam Neeson, Toby Kebbel y Felicicity Jones. Largometraje basado en el libro de Patrick Ness (que se ha encargado también del guion) y que narra la historia de un niño, su madre enferma y un monstruo que, como el título señala, le visita por la noche. Una película dirigida por Juan Antonio Bayona, director de Lo imposible y El orfanato.

Es el último de los trabajos de una actriz que no solo se ha ganado el respeto y la admiración de público, críticos y directores, sino que ha sido candidata al Oscar en tres ocasiones, por Gorilas en la niebla, Armas de mujer y la secuela de Alien. Solo tres películas de una filmografía amplísima.

Hija de un productor de televisión y una actriz, Sigourney Weaver (realmente Susan Alexandra Weaver) debutaba en el cine nada menos que de la mano de Woody Allen, lo hacía en Annie Hall, en un pequeño personaje. Su despegue llegaría de la mano de uno de los monstruos más famosos del cine. En 1979 encarnaba a la teniente Ripley en Alien y más adelante protagonizaría otras tres secuelas de la película.

Pero ha protagonizado infinidad de películas inolvidables y ha representado papeles de todo tipo. Desde su participación en los Cazafantasmas o Armas de mujer a su inolvidable interpretación de Diane Fossey en Gorilas en la niebla. Desde su papel como Isabel I de Castilla en 1492: la conquista del Paraíso al de Abducción. Sigourney Weaver ha demostrado ser una actriz con talento a la que no se le resiste ningún género.

Una carrera a la que aún le queda mucho por delante, porque a pesar de llevar 40 años trabajando como actriz, a Sigourney Weaver aún le quedan muchas fuerzas.

 

Cuando Di Caprio (por fin) ganó su primer Óscar

Leonardo es uno de esos actores que siempre ha maravillado al público en todas y cada una de sus películas pero que lamentablemente no había tenido mucha suerte de cara a los premios de la academia, pero este año el actor ha logrado conquistar su primera estatuilla de los Óscar gracias al espectacular papel que llevó a cabo en la película Renacido.

Leonardo dedicó este premio al gran Tom Hardy quien fue su co-estrella durante la película, y también al director Alejandro González quien había levantado su propio premio unos minutos antes que él. Asimismo, en sus breves palabras al recibir el premio DiCaprio aprovechó para enviar un mensaje dando apoyo a las personas que luchan por conservar nuestro medio ambiente en el planeta Tierra.

En sus palabras dejó claro cómo el calentamiento global es algo que realmente está pasando en la actualidad y que es una amenaza muy fuerte que está acechando a la humanidad. Su mensaje, muy humanitario, llegó a los oídos del equipo de Reparaciones calderas Madrid quienes son completos fanáticos del actor y que además luchan por un mejor medioambiente cada día al instalar un sistema de energía como el gas natural.

Por otro lado, Desatrancos Madrid de la mano de Antenistas Madrid ha dado descuentos a las personas que demuestren ser benévolas con el medioambiente.

Reparacion de calderas Madrid dejó que todo su equipo disfrutara de esta película maravillosa en su zona de trabajo, para que puedan aprender de la cultura y mejorar como individuos. Para poder ganar esta estatuilla el actor tuvo que llevar a cabo una dura grabación, y es que durante un año grabó en Canadá y la Patagonia, lo cual implica soportar bajas temperaturas y adversas situaciones climáticas. Como ‘un infierno’ calificaron la Patagonia los participantes de esta película por lo duro que fue estar allí durante el tiempo de la grabación.

Entre otros actores, DiCaprio tomó la delantera a Marr Damon, Michael Fassbender y a Bryan Cranston para poder ganar este premio con su película de El Renacido.

Infiltrados se convertirá en una serie gracias a Amazon

Los Infiltrados (The Departed, el cual es el título original) es una película ganadora del Oscar en el año 2006 y fue una obra espectacular dirigida por el gran Scorsese. Con frases tan icónicas que se siguen citando hasta el día de hoy. Definitivamente, una película que nos dejó queriendo más por el hecho de que continuamos hablando de ella sin parar de tanto que nos gustó este trabajo del hombre que ha filmado tantas películas buenas de este estilo.

Nuestro sueño fue hecho realidad porque efectivamente, veríamos más de este filme, pero representado de otra manera ya que ahora habrá un reboot de la misma en forma de una serie de televisión y a muchos televidentes les emociona mucho esta idea porque hay mucho material del que sacarle a ese película y todos los fanes de la misma quisieran ver una nueva representación de ella. Algo que todos los miembros del equipo de trabajo en Empresas de fontaneros Madrid no se perderán.

Escrito por el creador de Detroit 187 (otra gran obra que sigue siendo de las favoritas de muchos del equipo de cerrajeros Marbella), Infiltrados viene con una nueva propuesta en este concepto de los agentes dobles. En su momento Martin se dedicó a relatar una historia dentro de la mafia irlandesa, pero ahora se viene con un nuevo toque.

Con una clara inspiración en la película comentada, esta serie televisiva estará ubicada en Chicago en la actualidad, y los problemas de las bandas de narcotraficantes y guerra étnicas serán el centro del guión. En realidad parece otra brillante entrega que nos traerá buenos recuerdos del genial film del año 2006. Electricistas Madrid, es un gran equipo y en parte es por la unión, es por eso que habrá una junta para ver el piloto de esta serie que promete mucho y que tiene a miles o millones de personas esperando por su estreno. Además, Amazon Studios está haciendo batalla a Netflix y pretende hacerle una buena competencia y quizá ganar su cuota de mercado en el futuro próximo.

Crítica de Stranger Things

La más reciente producción de Netflix está dando muchísimo de que hablar en el ámbito de la pantalla chica, es que han tenido todos los ingredientes necesarios para hacer una de las mejores producciones del año en el área televisiva. Y es que la cadena no ha tenido un desacierto con la elección de sus lanzamientos en los últimos años, y una tras otra producción han sido todo un éxito. Seguramente viste la grandísima publicidad de esta seria que está debajo.

Ahora, vemos una vez más esa receta da su resultado y es Stranger Things, una serie de producción muy a la vieja escuela de ciencia ficción y misterio. Dejándonos perplejos con un Cast que te enamorará desde el primer capítulo y una historia que va creciendo cada vez más.

Nos produce una nostalgia inmediata porque nos retomamos a la época de los años ochenta donde teníamos estas grandes producciones que nos dejaban los cabellos de punta debido a la incertidumbre y el misterio que envolvía cada historia, y eso es exactamente lo que Stranger Things está consiguiendo. A pesar de ser una serie que es para todo público, quienes tienen más de treinta años la consideraran un Remake de un conglomerado de series y producciones de terror como las que pagan, que no hace que la producción de la cadena de Netflix sea mala, pero dejará a un par de personas decepcionadas. Aun así pienso que es una muy entretenida y adorable (dentro de lo que cabe) historia, debido al enfoque en particular y la unificación de ideas a lo largo de toda la producción.

Teniendo unos personajes que engancharán fácilmente a la audiencia debido a la empatía que pueden generar debido a las diversas situaciones que se van desarrollando capitulo a capitulo.

Y una trama final que teniendo en cuenta que es un poco predecible no deja de entretener y dar en el clavo una vez más. Es una serie que ciertamente debes ver, pero no dejes de pasar que aquella época del horror y la ciencia ficción no volverá jamás.